Am 5. und 6.11.2026 spielte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks wohl gleich drei Werke erstmals in einem öffentlichen Konzert. Unter der Leitung von Sir Simon Rattle erklangen in der Münchner Isarphilharmonie Tōru Takemitsus „A Flock Descends into the Pentagonal Garden“, Benjamin Brittens „Symphonie für Violoncello und Orchester“ op. 68 mit der Solistin Julia Hagen und Sergej Rachmaninows Symphonie Nr. 3 a-Moll op. 44. Unser Rezensent war am 6. November dabei.
Es ist mehr als erfreulich, dass Sir Simon Rattle das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks selbst in normalen Abo-Programmen schon mal nur Stücke spielen lässt, die das Orchester nie zuvor öffentlich dargeboten hat. Zweifel an einer Erstaufführung mit dem BRSO – laut Programmheft – kommen jedoch bei A Flock Descends into the Pentagonal Gardenvon Tōru Takemitsu (1930–1996) auf, das laut einigen Quellen bereits am 20.3.1981 unter der Leitung von Hiroshi Wakasugi bei der musica viva gespielt worden sein dürfte. Das gut zwölfminütige Werk des ersten japanischen Komponisten von Weltgeltung wartet mit einer schillernden, orchestralen Farbenpracht auf, die ihresgleichen sucht und zwar impressionistische Wurzeln hat, freilich noch mehr an Alban Berg, teilweise sogar an Elliott Carter erinnert. Das Orchester scheint mit Takemitsu momentan ein wenig zu fremdeln. Schon die Artikulation des Oboenthemas zu Beginn wird überakzentuiert statt es natürlich fließen zu lassen. Den sich gewaltig aufbäumenden Steigerungswellen mangelt es an letzter Wucht in den Bässen; wie üblich teils der Akustik des HP8 geschuldet. Rattle fehlt bei den dann jeweils folgenden Momenten der Stille, die das Stück klar in Abschnitte unterteilen, dann der Mut, sie zumindest etwas länger auszuhalten, weil er offenkundig ein sicheres Gespür dafür hat, dass die Spannung innerhalb des Orchesters nicht so organisch wirkt, wie vielleicht vom Komponisten gedacht. Die bei aller Dichte immer noch latent tonal fortschreitende Harmonik, vor allem auf den letzten dynamischen Höhepunkt vor der Wiederkehr des Oboenthemas hin, bleibt beiläufig. So kommt diese herrliche Musik beim Publikum nicht wirklich an.
Warum Benjamin Brittens Symphonie für Violoncello und Orchester (1964)so selten zu hören ist, kann man kaum verstehen. Obwohl hier die Rollenverteilung zwischen der fabelhaft intensiv spielenden Julia Hagen und dem Orchester auf ein absolutes Gleichgewicht abzielt, ist der Solopart durchaus dankbar. Die Gesamtstruktur ist vielleicht beim ersten Hören schwieriger zu erfassen als bei üblichen Solokonzerten; das Stück berührt dafür emotional von Beginn an. Hier ist das Orchester eine Weile zu laut, so dass sich die Cellistin zunächst durchkämpfen muss, bis sie mit einem hinreißenden Cantabile glänzen darf. Die vielen dicht aufeinander treffenden, unterschiedlichen Texturen verlangen vom Dirigenten eine sehr präzise Schlagtechnik, und dabei überblickt Rattle stets den großen Bogen, gerade im langen Kopfsatz. Im Presto inquieto agiert Hagen als bewusster Gegenpol zum komplizierten Gewusel im Orchester. Das Adagio vermittelt einsam nordische Tragik, wobei die Streicher zunächst die Trauer und Melancholie der nun völlig konzertant auftretenden Solistin stützen. Die Pauke betätigt sich zunehmend als musikalischer Störfaktor. In der großartigen Kadenz erscheint deren Motiv aber dann selbst im Cello, so als könne man sich mit den Verhältnissen arrangieren. Dies verdeutlicht wohl auch die politische Haltung des Pazifisten Britten zum Kalten Krieg. Das Finale, wie im Violinkonzert eine Passacaglia, hellt sich nach und nach zu positiver Erwartung auf. Hagen bleibt brillant bis zum schönen Schluss, der ohne zu viel Pathos auskommt, und erhält begeisterten Applaus für ein leider unterschätztes Stück, das durchaus einen festen Platz im Repertoire verdient hätte. Schade nur, dass es dann als Zugabe wieder den üblichen Bach gibt, anstatt es mal mit einem Satz aus Brittens drei starken Cellosuiten zu versuchen.
Rachmaninows 3. Symphonie entstand 1936 eher unerwartet, nachdem die 2. Symphonie fast 30 Jahre zurücklag, und hat deren Popularität nie erreicht, obwohl sie zu den stärksten Werken des Komponisten gezählt werden muss. Die differenzierte, opulente Orchestrierung ergibt einen bemerkenswert direkten Klang, der nie schematisch wirkt. Die tatsächliche Spannweite von Rachmaninows Emotionalität wird kaum von einem anderen Werk so gut abgebildet wie hier. Rattle beachtet hier sorgsam jedes Detail: Bewundernswert, wie er etwa die kleinen tenuto Momente des Seitenthemas (I. Satz, Ziffer [5]) adäquat auskostet, ohne dass es in Kitsch abgleitet. Die Durchführung wirkt in ihrer Zerrissenheit (Xylophon-Stelle) beinahe filmartig, bleibt aber emotional dennoch zielgerichtet. Im zweiten Satz sind zunächst die ausdrucksstarken Soli des Konzertmeisters (Anton Barakhovsky) und der Solo-Flöte (Henrik Wiese) zu loben. Hier und beim nervösen Übergang zum eingeflochtenen Scherzo-Teil bedient sich Rachmaninow bewährter Mittel aus seinen Klavierkonzerten. Den Mittelteil selbst gestaltet Rattle lebendig und energetisch, nicht übertrieben, und am Schluss des Satzes werden die motivischen Rückbezüge zum Kopfsatz sehr deutlich. Das heitere Finale darf dann auch mal fröhlich-lärmig sein, was das Orchester sehr kontrastreich ausgestaltet. Das Fugato – fein ziseliert, dennoch kraftvoll – überzeugt vollends und die letzte Steigerung wird mit großem Atem vorbereitet, so dass selbst hier nichts aufgesetzt erscheint. Das Publikum, das an diesem Abend viel Neues hören durfte, würdigt diese gelungene Wiedergabe einer den meisten wohl noch unbekannten Symphonie angemessen. Das Konzept des Chefdirigenten erweist sich einmal mehr als stimmig.
[Martin Blaumeiser, 11. November 2026]
